文化工程的雙子星：展示×研究＝知識矩陣

當文物與故事串接出某個歷史觀點時，人物與場景都變成了城市記憶與文化資產。藉由博物館的研究員與展示員所設計的專業小故事，變成一篇篇看得見、摸得到、聽得著的真實歷史，美國社會也經過這樣的「文化濾心」，增添了文化觀察的敏銳力。



博物館所設立的木工工廠，讓展示設計能靈活的運用資源。


研究工作是美國博物館的靈魂，這項傳統精神是從自然史博物館開始，隨著十九世紀資本主義的商務需求與理性主義的推昇下，各種動、植物標本的採集與珍奇異寶的蒐羅，奠定了研究學問的物質基礎。

進入到二十一世紀，博物館的功能由政治的光譜偏向大眾需求的時候，展示能顯現出學問，就成為非常複雜的「文化工程」。

博物館的展示，是經由研究人員與展示設計人員的合作，將學問與文物，以藝術的手法將其立體化、簡化、美化與虛擬化；而成為知識的「創意文本」。而每個文本都要經過「腦力激盪」(Brain Storming)的會議過程而產生，不論展示是常設展或是特展，都需要一定醞釀的方法與過程，才能稱之為展覽。因此，凡是經過美國博物館協會(AAM)鑑定過的博物館，合於博物館經營管理規範的，一般說來都會有下列的程序：



自然科學歷史的「滅絕」(Extinction)，述說了地球歷史與生物演化秘密的知識隧道。


海洋藻類的展示，運用了幻燈片式的黑色隧道，讓人深深的體驗到繽紛的微體世界。



一、Planning主題規劃
一般來說，規劃整座博物館或是一項展示，研究工作的「選擇主題」，是最重要的源頭。這個原點的選定，牽涉到文物的蒐藏量，歷史脈落的關聯性，是否能引起共鳴與驚奇等因素。當這些因素確定與研究成熟之後，才會開枝散葉，擬定出「故事線」的大綱與細部計劃。並依照這些思考的藍圖，精算所需要的成本支出與預期效果，以提供博物館的決策者作判斷。


二、Graphic Design圖面設計
在故事線的文字腳本之下，會衍生出許多施工圖面與模型的設計，將動線的空間平面化與立體化，完成可以按圖施工的設計。這個部分與一般設計不同的是文字稿與圖面有許多腦力激盪的過程，必須將每個空間，連接著色彩、燈光、文字，賦予意義，才能完成展示到可執行的階段。


三、Engineering ＆ Fabrication Design工程設計
科學類的博物館較常使用這類規劃設計。這其中包括了土木、水電、動力等等，端視設計者的巧思，將展示品經由動力的裝置展現出來。例如，模擬的科學現象展示，大型三D的動畫劇場，小至展櫃的燈光設計，都與這些工程上的知識與設計，有著密切的關聯。最主要的概念，是呈現一場「文化科技」的創意競賽，充滿探索的樂趣。



玻璃展櫃與說明板的敘述看似簡單，卻是展品與文字的精密結合。


四、Interactive Development Design互動式設計
這項設計有一些指導性的思考技術，如下：接觸Touch，按下click，掃瞄scan，尋找search，偵測detect，模擬simulate，挑戰challenge，身臨其境engage，學習learn，迷媚fascinate，樂在其中enjoy。這是互動式設計的創意性指導，主要的目的是將研究的內涵，經過不同方式的創新與重組，塑造了前所未有的「知識藝術」。美國博物館界常結合了主題樂園的模擬情境(Diarama)及好萊塢電影的特效技術，發展出互動式的設計，擴大了知識的趣味性，並讓博物館增添了更多的未知的魅力。


五、Evaluation展示評量
這是一項針對展示主題與方式所作的評量，目的在了解觀眾對於什麼樣的內容感到興趣，運用「觀察法」與「問卷調查法」，質化與量化並行的評估展示的整體與個別的吸引度，以作為博物館在設計展示的參考依據。它不僅是評定展示成功與否的參考，也是研究人類文化行為的場域，新的人類學也於是乎生焉。

這些程序與步驟，強化了博物館的知識說服力，塑造了可看、可聽、可觸摸、可互動的歷史空間與創意思考。每個展示如同「知識發表會」，在博物館所提供的伸展台上，盡情展現。

研究與展示是博物館的一體兩面，必須經過許多的會議平台來震盪出動人的空間設計。由於性質或大小不同的博物館，蒐藏品的資源各異，研究員必須針對博物館所擁有的文物特性，研究相關的議題。這使得原本只是靜態的蒐藏文物，經過了研究工作的加深之後，賦予了新的歷史意義及價值。

而展示設計員將研究員所發現的歷史新觀點，經由上述的規劃程序，籌辦這些歷史新場景。在這樣的導引下，美國社會中，特別重視歷史紀錄與分析。所以不論在NBA的籃球賽、大聯盟的棒球賽或是小自地區的重要事件，都成為重要的當代歷史。

由此也創造了許多新的展示想法。如紐澳良非裔美國歷史美術館(New Orleans African American Museum of Art,Culture and History)，就以爵士樂與黑人家庭為主題，展開「我的家庭音樂」(My Home Music)的研究。並藉著小型的家庭故事特展作引子，蒐集了上百個的音樂故事。這些小的家庭紀錄，最後經由研究員的整理，成為紐澳良市爵士樂發展的重要脈絡，用多元的手法詮釋了大眾所認知的爵士樂。

所有的歷史都是當代史，當文物與故事串接出某個歷史觀點時，人物與場景都變成了城市記憶與文化資產。並藉由博物館的研究員與展示員所設計的專業小故事，都變成一篇篇看得見、摸得到、聽得著的真實歷史，美國社會也經過這樣的「文化濾心」，增添了文化觀察的敏銳力。



研究員辦公室是博物館的「思考創意中心」，所有的研究工作與展示構想都在這裡完成。


「靈魂音樂」開展前非洲鼓與舞熱力的表演藝術，已經成為展示的揭幕式，來歡迎與會的貴賓。


七種觀點(Seven views of achair)來看古董椅子，顯現出策展者的藝術切面。






文‧圖／周晶生

美國的文化觀光旗艦－－克里福蘭美術館

克里福蘭美術館是社會的融合劑，提供了各種文化展現的舞台，整合出美國國民多元價值的共識，不僅改造都市的空間氣氛，更展現了一個地區的氣度，建設了永遠值得驕傲的文化資產。



美國俄亥俄州的克里福蘭市在二次世界大戰前，原本是一個鋼鐵與汽車工業的重鎮，在亞洲工業崛起後，往日的繁榮不再，卻因為文化觀光、美式足球與NBA籃球等運動休閒娛樂的崛起，重新建構了城市的風貌，而克里福蘭美術館更是這些無煙囪工業的龍頭老大。



宮廷式花園博物館，是北美克里福蘭市最大的驕傲與文化觀光的旗艦，有了它，美麗是什麼？不必說明，用看的就好。


由正門往下望，噴泉的雕塑與湖面的櫻桃樹，建構出西方文明的美麗哲學。


1912年，由於工業革命後的資本家致富，大都在克里福蘭市安居落戶，捐助了巨額的金錢，建造了一座典型希臘式的台階、迴廊、山型牆與宮殿氣派的美術館。

館外有寬闊的湖面及草坪，四周種滿了各式櫻花樹、蘋果樹及松樹，四季都有美景。附近的大學城更像眾星拱月般，將美術館妝點成知識與美麗的面容。美國大多數博物館都是要買門票的，但是克里福蘭美術館從建館開始，捐款人就要求不收門票，雖是如此，但是他們卻是全美資金最雄厚的美術館之一。

美術館的常設展示依照世界文明的區塊與館藏來設置，並沒有顯著的故事線來帶領觀眾，但是進門，就有迷人的中庭咖啡花園，每週三、五、六、日下午與晚上，都安排了醉人的音樂陪伴著來館參觀的遊客。

地下一樓是亞洲藝術的展場，裡面有中國、日本、韓國與印度的蒐藏展示。這些展品，就中國的蒐藏來說，宋汝窯的「胭脂紅」、「瑪瑙青釉」等瓷器，是世界著名的藝術精品，而青銅的鼎、爐也都是難得一見的蒐藏。這些難得之選，主要是因為60年代到70年代期間的館長，是研究中國藝術的專家，所以藉著當時的雄厚財力，搜羅到不少精緻藝術品。而日本浮世繪與人物畫，韓國的佛像繪畫與印度的宗教性圖騰，雖然數量不多，但是量少質精，有一幅高約二米的日本武士圖像，更是館藏日本藝術品的極品。



美術館地下室的木工場，讓所有的展示設計，有了最堅強的實務操作人員支援，不像台灣有一大堆的採購法限制，浪費錢也毫無效率。


「夏威夷之宴」是美術館為了慰勞員工所舉辦的夏日宴會，規定每個人都要穿花襯衫，主題式的宴會，來到會場每個人都high！


不過在其他的收藏品方面，依我的藝術品鑑賞能力來看，認為這些亞洲的展品，因為研究員是美國人，在許多的認知與蒐購通路上，沒有相當的門道，再加上經費的編列上，並不如歐洲藝術品充裕，所以精采度差很多。

當然，要囊括世界頂尖的藝術品在一個美術館，是沒有必要。能有這樣的規模，已經是世界上一流的美術館了。這些世界的寶貝，能在這裡呈現，也代表了克里福蘭市的財力與人力，如果沒有好幾世代的累積財富與知識見地，是很難達到這樣的規模，而這些世界的文化資產，卻成為吸引觀光客的最主要動力，這樣的轉變，可以見得主事者視野之廣闊，令人折服。

舊館的一樓則是最著名的歐洲武器展示廳（Armor Court），裡面擺放著中世紀騎在戰馬上的武士。精美的盔甲與長矛，擺放在四方的挑高大廳中，顯得威武、華貴與壯麗。

這個展示廳是集合了社會的捐款而建造的。由於館內的武器收藏甚多，相關的繪畫與大型的矛、箭、刀、盔甲等，都是大眾所喜愛看的文物。研究部門就設計了一個結合古代戰爭與武器的展示，並配合行銷部門，將所需的經費，對外來籌募。

沒想到引起了巨大的迴響，整個俄亥俄州，由於大多是歐洲白人移民的後代，對於這些充滿十字軍東征的鄉愁，愛在心坎裡。

風起雲湧的歷史記憶，隨著這次募款展示活動，製造了社會的文化話題與論述，一時間，「文明、藝術、戰爭、宗教、武器……」的討論沸沸揚揚，不僅打開了知名度，更增加了人民以藝術品來作現代詮釋的興趣。這間展示廳，在「一年準備、二年執行」的運作下，在全國的關注中開展，成為美國知名度最高的常設展示廳，這樣的模式，是結合社會資源創造藝術議題的最佳範例。

沿著走道上伊斯蘭教的皇冠與繪畫的牆面及在展櫃中的聖杯帶領下，從舊館的二樓，走到了1970年建造的新館。新館與舊館間，設計了引進自然光的中庭花園。新建築內規劃十五世紀到十八世紀，文藝復興時的畫作。並在一個警衛森嚴的展示室中，展出印象派大師莫內、梵谷與高更等人的畫作。

莫內的「睡蓮」系列，掛在整片牆壁上，整體的視覺顯現著浮光點點，綠紅相映的睡蓮，讓人彷彿身在其中。梵谷的「黃色農作」與高更的「大溪地的女人」的主題，圍繞在其他的牆面。「當大師遇到大師」的畫面，此刻，感受最深。

這一間的作品價值至少以「億」為單位，所以保全人員都是豎起神經，眼觀四面耳聽八方，控制參觀人數與觀賞距離，因為這裡實在是太貴了，馬虎不得。



現代的繪畫收藏（一幅至少50萬美金）成為孩子們現場學習的模範，美術館的教育理念，讓美國公民從小就擁有寬廣的人文視野。


由新建築的二樓往下走入一樓，則是二十世紀歐洲及美國的現代藝術作品。這些新購置的繪畫或是雕塑作品，充滿著各種藝術造型。有三角立體的紐約都市街道繪畫，有牙籤與柏油材質的雕刻，奇形怪狀，挑戰美感的極限，讓人驚訝不已。

雖然克里福蘭美術館的收藏品是迷人的珍寶，而他們的經營管理哲學，才是這座美術館的鑽石動能。由於副館長戴北維克（DeBevec）的協助，我在行銷部，一起參與會議，了解到工作人員如何建立社會的資金脈絡。也看到教育部門如何依據常設展或是特展，設計一套教學方式來協助學校教學。更因為參與策展的工作，充分體認到由研究部門、收藏部門、教育部門與展示部門的進行流程與對話。在一次館長與職員的對話中，館長一直強調「What is your philosophy about this act？」我才了解到哲學的思維，才是保持創意與活力的來源。

克里福蘭美術館是社會的眼睛，創造了新的文化視野與世界觀。所以當從問卷調查發現，黑人團體是美術館應該開發的潛在觀眾群時，教育部門提出了花園爵士音樂會的企劃。當從意見卡上，知道非洲的收藏太少時，特別編列預算，購買更多的非洲文物；當從統計資料發現，歐洲的特展秀太多時，研究與展示部門，提出了跨文化的特展主題。

這些應變與自省，都在表述一件事情：「美術館是社會的融合劑，應該提供各種文化展現的舞台。」這是美國博物館界目前的文化走向，想藉著展示來消弭種族間的歧見，以促進多元價值的共識，達到國家整體的利益。這樣的文化目的，克里福蘭美術館做到了。以博物館來改造都市的空間氣氛，用展示來促進社會的整體共識，更重要的，它展現了一個地區的氣度，建設了永遠值得驕傲的文化資產。



新建的美術館二館，連結了一館美術館，它的新入口充滿了現代的建築風格。


美術館的中庭是親朋好友最佳的聚會場所，在陽光樹蔭下用餐，多麼愜意！





文‧圖／周晶生

經濟利益？資產迫害？觀光客與文化資產

台南市定2007年為「府城文化觀光年」，
宜以祖先遺產資源吸引更多的觀光客，

從研究評估、妥善規劃、再不斷檢討改進，
迎頭趕上國際趨勢，
創造保存文化資產及增加觀光客源的雙贏新局面。


文化資產是老祖先留給我們最好的觀光資源，以文化資產為觀光號召的台南市，一方面希望大量的觀光客湧入，但同時，管理者、台南市居民、古蹟保護知識份子、旅遊業、政府人員該如何一起同心協力保護好我們的古蹟、遺產及妥為規畫文化活動，是同樣重要且需持續關注並落實的工作。

國際文化旅遊憲章有明確的規定，希望經由妥善管理經營達到經濟利益並宣揚文化資產及文化活動的歷史本質及真實性，並持續傳給後代子孫，是目前國際間文化資產觀光旅遊最熱門的議題。



為達到宣揚其歷史本質及真實性而開放的文化資產區域，
所湧入的大量觀光客，對尚居住在該區民眾的隱私權，要加以尊重。


以國際文化旅遊憲章評估觀光客對文化資產的衝擊會議

今年國際文化紀念物與歷史場所委員會（International Council on Monuments and Sites 簡稱ICOMOS）國際文化觀光委員會（ICOMOS International Cultural Tourism Committee Workshop），於6月10-13日在韓國首爾召開ICOMOS 亞太地區會議及國際文化觀光委員工作營（ICOMOS Asia-Pacific Regional Meeting & Workshop），會議的主題為觀光客對文化資產的衝擊（Impact of Mass Tourism on Historical and Traditional Villages），共有24個國家，49位專家學者與會（圖一）。

會議中藉各國文化資產景點的案例討論如何營運管理文化資產觀光景點，並藉實際參訪安東市河回村、陶山孔子學校、慶洲楊洞村等列入世界遺產的景點現場，檢視大量觀光客與古蹟的關係，透過專家學者、政府人員及民眾的對談，針對問題提出解決及改善的方針，以達到世界遺產的管理規定，是一場群聚專家學者實務解決問題的國際研討會，深具實質意義。



慶洲高速公路收費站，以慶洲為韓國古城保有許多古式建築物，
故以傳統式建築形式設計高速公路收費站，一看到此風格獨特的收費站就知道已進入慶洲了。


河回村的小商店，販賣當地手工藝品特產「面具」，建築形式依然保有傳統風格，
與周邊古蹟造型相配合，並不會顯得突兀。


2006年ICOMOS亞太地區會議全體610位會員合影。


國際文化旅遊憲章的原則

根據ICOMOS國際文化旅遊憲章（International Cultural Tourism Charter）共有六大項原則，包括鼓勵公眾意識、管理動態關係、帶給遊客一個有價值的旅遊經歷、鼓勵文化資產區居民的參與、為社區提供利益、負責任的推廣計畫等。

其中對政府部門的部分有：推廣規劃、管理經營、民眾教育、收入資源利用訊息分享、居民就業培訓、手工藝品推廣、保留文化資產的真實性、建築規劃要使用當地材料及建築風格形式與元素（圖二）、為滿足觀光客購物或生理需求，在文化資產區設立的購物中心或洗手間，應以不破壞大環境為主（圖三）、持續評估計畫，研究諮詢觀光活動發展對文化資產循序的影響及解決遭遇的問題。

對文化資產旅遊區的居民有：了解當立文化歷史意義與價值、對文化資產應有的管理及保護的責任、居民應有參與權（政策及古蹟導覽或解說員）、得到應有的尊重（文化活動、知識、信仰等）及收入資源再回饋到當地作保存維護環境改善以提昇經濟發展水平。

對遊客部分有：要有知道文化資產歷史文化資訊的權利，提高欣賞與理解程度、要尊重文化資產旅遊地區當利居民的隱私權及獨有的生活環境及背景、要有人性化的服務規劃及品質。

再多政策再多的經費，在執行一段時間後，都需要經過評估以調整政策方向，評估的問題包括文化資產的自然位置、本質（地理環境、生態、財產狀態、交通位置關係、經濟背景等）、文化歷史意義的重要性（真實性、有形無形的特徵、價值）、保護經營的結構脈絡（保護的目標、標準、責任、營運管理結構、生態政治經濟的壓力與威脅、安全措施）、旅遊資訊與服務脈絡（周邊環境、遊客客源對象（本地、國內、國外）、旅遊交通方式、交通設施、旅客住宿資訊與展示、旅遊方式團體或個人、旅遊消費）、旅遊與保護者之間的關係（遊客是增加或減少、遊客與古蹟保存之間的動力、觀光客是否已對古蹟造成影響、遊客是否有解說員導覽？）。

台南市大力推展台南護照等相關城市行銷與觀光工作，其投入的資源是否有成效，其實是應透過理性的評估並予規劃持續修正的。


韓國大力推展文化資產觀光，同時兼顧文化資產保存維護工作，這次ICOMOS韓國亞太會議由ICOMOS韓國（ICOMOS-Korea）主辦，文化觀光科學委員（Scientific Committee of Cultural Tourism）協辦，贊助單位有文化觀光部（Ministry of Culture and Tourism）、文化資產局（Cultural Heritage dministration）、安東市（Andong City），大家同心協力卯足力道要將韓國最好的文化資產觀光景點介紹給國際人士，並藉由專家學者的專業指導，展現韓國對文化資產的重視，完善的會議議程規劃與安排，充分顯現韓國對文化資產的保存及觀光客源的發展展現強烈的企圖心。



河回村，為世界為化遺產，保有韓國傳統茅草屋頂建築村落，
從山上鳥瞰，宛如一座世外桃源。


揚洞村內居民所開的茶店，簡單的茶店招牌，
純樸、不商業化，能兼具居民收益又不破壞整體文化資產視覺美。


隨著社會變遷，工作步調緊湊，觀光旅遊業是大眾消費曲線居高不下的一項選項，而有深度、有人文歷史的文化資產旅遊更是觀光旅遊市場最吸引人的觀光資源。

全台灣以台南市古蹟最多，稱得上是文化古城，台南市於2007年更定為「府城文化觀光年」，如何以祖先遺產資源吸引更多的觀光客，如何上下同心（政府與居民）一起發揚傳播台南歷史，做好維護管理工作，從妥善規劃、研究評估、再不斷檢討改進，迎頭趕上國際趨勢，達到保存文化資產及增加觀光客源雙贏的新局面。



當地居民對具有傳統歷史、文化特色之文化資產應有保護的意識與責任。


觀光客有知道文化資產歷史文化資訊的權利，完整的解說圖示，
是規劃者可考量使用方式之ㄧ。此圖說明河回村內建築所使用炕的圖示板。


面具舞發祥於河回村，目前該村依然有面目舞表演，供觀光客觀賞。





文‧圖／董國金（國立台灣師範大學美術學系美術行政與管理組 博士生）

盡情搖滾青春放送－搖滾音樂博物館

搖滾音樂是以肢體、歌聲、麥克風，融合了電子音響科技，展現出巨大的音樂感染力，這樣的型態，使音樂成為詮釋潛意識與熱情的組合。


搖滾音樂的名言：一場精采的演出可以改變世界（An excellent performance can change the world.）

這樣的精神實踐在搖滾音樂博物館（Rock＆Roll Museum）中。這座博物館位於北美克里福蘭市中心，靠近與加拿大相連的五大湖區旁。硬體建築是由著名的華裔建築師貝聿銘所設計完成。這是一座三角玻璃帷幕的現代建築，蒐藏了各式搖滾音樂歷史起源的文物，從美國南方音樂的班鳩琴、布羅琴到黑人的靈魂音樂及爵士音樂歌手的吉他、低音琴、樂譜、服裝與紀錄片等，讓二十世紀重要的搖滾音樂物件，有了最好的歸屬。
博物館外是一片佔地約1500坪的表演廣場，只要是假日的午後，由博物館所邀請的搖滾樂團，就在廣場上表演，方圓一里內，充滿了青春的氣味。在熱情有勁的音樂聲中，只見不分男女老少，扭動著身軀，展開歡顏，盡情的與音樂共舞。

進入到被自然光穿透的博物館中，就看到挑高建築中，懸吊著曾經被瑪麗蓮夢露坐過的汽車，就像她在世時一樣的亮眼。賣店佔了一樓三分之一的空間，裡面陳列著各式的衣服、海報、文具與錄音帶，配合著特有的音樂節奏，遊客也不自主的就掏出鈔票，在各式的商品中，盡情的選購。利用特別設計的音樂來促銷，這是一項成功的策略，讓人樂在音樂所創造的購物天堂。


搖滾博物館的正門，就像是玻璃做成的金字塔，灰色的線條具有現代建築簡潔的語彙。


買了門票，跟著人群，魚貫的來到被燈光、色彩、搖滾樂器及紀錄片所包圍的常設展場。展示是以人物歷史為軸線，每個經典人物都有他的歌曲播放。遊客可以邊聽耳機的音樂，瀏覽著櫥櫃中的舞台服裝、新聞影片，以及樂手曾彈奏的吉他、敲擊過的鼓棒與演唱的麥克風，就好像經過了當時的演唱場景，讓人搖擺沸騰。

搖滾音樂的崛起，是隨著電子樂器的發展成熟，以及視訊傳播科技的放送下，經由商業包裝與典型人物的開創，所形成的音樂型態。

這些養分，最主要是來自於美國的黑人工作歌與白人的鄉村音樂，經由貓王艾維斯的「扭腰擺臀」式的開創，以及英國披頭四樂團的精緻塑造，再到黑人爵士音樂的形成，將二十世紀的搖滾音樂，融合成偶像塑造與熱情有勁的時代經典。

這些相關的流行音樂資料與紀錄，在搖滾音樂博物館內，隨著人物海報、書籍、服裝與演唱會的紀錄片，詳實呈現出這些新音樂元素的發展片段。

最受歡迎的當然是歷久不衰的貓王艾維斯的個人展場。從入口處，就看到醉死人不償命的笑容，經由吉他牆的引導，到達他曾經踩踏過的圓形舞台，四周播放著他的演唱會或是電影片，讓遊客搖頭擺尾盡情迴盪，不論是十歲以下的兒童或是八十歲的老阿媽，都陶醉在五彩燈光的青春舞台上。


進門的音響架與燈光台，隨時都可以有現場樂團的音響與燈光效果。


吊車


五彩繽紛的跑車


隱藏在這些展示內容與手法的背後，研究工作是最重要的幕後推手，而展示的「故事線」，就是一場精心設計的電影腳本，從研究歷史的脈絡中，找到「why、 how、 when 、where、 who」的重要事件，串連成搖滾音樂的全貌。就是因為這兩者的組合，才成就了展示的動人內涵。

博物館的研究員威廉（William）在常設展「Rock＆Roll Style」的序言中，寫道：「搖滾音樂是以肢體、歌聲、麥克風，融合了電子音響科技，展現出巨大的音樂感染力，這樣的型態，使音樂成為詮釋潛意識與熱情的組合。」，擁有民族音樂學博士學位的他認為，搖滾音樂從電子吉他與爵士鼓中，找到新的音樂型態，在社會中產生釋放社會壓力的集體情緒。只要有了電吉他加上爵士鼓與眼睛會放電的歌手，世界就變得輕鬆起來。


迷人貓王艾維斯開啟了現代電子音樂以肢體搖滾音樂的形式。


當然，心理學的研究，對於搖滾音樂也有著推波助瀾的效果。弗洛依德（Sigmund Freud）以「夢的解析」，分析了潛意識、前意識、下意識的「生之本能」與「死之本能」，使得驚世駭俗的演出型態躍上舞台，一些魔鬼的裝扮，髒話連篇的歌詞，猥褻的舞動，就好像是地獄的試金石，堆砌滿身亮片色彩的圖案，來到人間。

在「The Dream V.S. The Face」的展區中，就有模特兒化妝成一邊黑，一側白的臉，誇張的黑白線條，勾勒出演變中的搖滾音樂舞台人物。另外，金色小可愛式的內衣舞台裝，性感十足，展現出聲色挑逗的服裝與人物的刻劃，令人目不暇給，彷彿活在舞台的夢幻空間中。


搖滾音樂用巨大音響創造虛擬的野性典範，打破了音樂必須精緻的藩籬，使得震耳欲聾的音樂成為紓解青年生理急躁的藥方，也讓民主社會的包容性，增長了容忍力。
最具有燈塔效應的是披頭四的搖滾音樂創作，增強了搖滾音樂的內涵與技術性的難度，消弭了精緻/通俗、古典/現代的音樂對立，從此樹立了搖滾音樂的里程碑。


嘻哈的故事從搖滾音樂的黑人工作歌中發展出新的時代律動。


歌迷群的不斷擴大，增加了搖滾音樂的世界影響力。在展場中鋪陳當時的報紙，表述以美國、英國為首的搖滾國家，運用了搖滾音樂帶動英文電影的通俗文化，販賣了可口可樂與麥當勞的好滋味。
從70年代開始，用搖滾音樂來傳播「美式民主」的美好，隨著韓戰與越戰，跨越了太平洋的文化鴻溝，將美國塑造成歡樂的天堂，淘金的樂園。

文化是軟性的國力，在搖滾音樂博物館的世界中，發揮得淋漓盡致。走出這些精緻的展區後，來到了6樓360度視野的餐廳，遊客面對著波光粼粼船影點點的五大湖區，品嚐著魚子醬與櫻桃調製的搖滾大餐，心中佩服博物館的動線操作，讓聽覺、視覺與味覺，有了完美的句點。

在結束這趟融合了音樂、美食與歷史記憶的搖滾博物館之旅時，還被陌生的拉丁女子，邀請跳了一首馬恰恰（Machacha）舞曲，幸好家傳的國際標準舞基礎紮實，讓她快意的與「老中」共舞一首，度過了歡樂的午後。音樂是不分種族、語言與階級的黏合劑，在搖滾音樂博物館裡，我找到了世界共通的律動。



皮革製的緊身衣。




文‧圖／周晶生

文化組織領先鋒--美國博物館協會百年經緯

2006年是美國博物館協會AAM（American Association of Museums）成立一百年的日子。這是奠定美國博物館邁向專業、中立與非營利的重要里程碑，也是塑造博物館成為知識的殿堂，以及領導文化觀光產業的火車頭機構。它的成立，代表理性的文化力量，經由博物館的研究、保存、教育與展示等功能，提昇了文化機構的力量，開創自由論述的博物館經營型態。

縱觀博物館歷史，雖然可以溯及西元前290年以前的希臘時期，為追求知識而成立的亞歷山卓（Alexandria）博物館。但是，隨著十六世紀「大航海時代」的商業活動，透過了學者的自然紀錄、蒐藏，以及商人獵取珍奇寶物的貪婪，發達了十九世紀資本主義的物質文化。也因此，創造自然史的發展內涵，衍生出人類學的新學域，此期間，隨著傑尼米‧邊沁（Jeremy Bentham）〈國家主義〉--人民、土地、政府、主權的學說建立，觸動了博物館成為知識的蒐藏櫃，為國家與社會而存在的文化機構。

這些經由商業活動所搜羅到的文化資財，滋養了博物館的蒐藏需求，也由此促進了美國博物館協會在1906年成立。其目的是將各類博物館的研究、保存、教育與展示等工作，經由專業化的組織，為公眾的文化需求與利益，訂出了以非營利為目的的組織，它的原文是這樣寫的：

Founded in 1906, the American Association of Museums (AAM) is dedicated to promoting excellence within the museum community. Through advocacy, professional education, information exchange, accreditation, and guidance on current professional standards of performance, AAM assists museum staff, boards and volunteers across the country to better serve the public.

有組織性的博物館協會成立後，整合了全美國博物館機構經營的型態，確立了從業人員的專業職能，讓博物館成為知識的燈塔，以及美術品的詮釋機構；並經由博物館教育的功能，擴大了博物館為大眾利益存在的價值。

當然，這些成立之初的理想，是經過長時間的整合與修正的。因為在沒有戰爭的美洲大陸，提供了博物館協會每年為期一週的「年會嘉年華」，經由許多專業人員的講座發表，漸漸地結合了博物館上層從館長、研究員、蒐藏政策，中層到教育、展示、募款，基層到義工、公共關係等，才建構出一系列緊密的關係。

美國博物館協會的操作方式，是由委員會選出次年開年會的城市，經過一年的籌辦，在每年的四月至六月間，由該城市的博物館協會的成員，會同總部的指揮中心，一起辦理會務。 首先是訂定主題。例如2000年是「Reflection Vision and Change」，2001年是「The Spirit of Community」，2004年的是「A Defining Moment: Museums at the Crossroad」等。

主題的擬定，是一項重要的視野（vision），目的在建立議題，凝聚共識。再經由許多大大小小的協調會，確立人、事、時、地、物等事項，將各種演講會議（Session）主題安排定位。最後，用歡樂的宴會（event），促進會員間的情感交流，在七天的時間中，完成「文化學術交流」。

年會結束後，協會將所有演講會議的錄音帶製作販賣，成為另類的「文化商品」，傳播博物館知識。各大學的博物館學、藝術管理或是教育類科的教師與學生，更將以此「論壇」的有聲書籍為補充教材，擴大了「文化流動」（culture current），塑造出博物館經營的新方向。

在二次世界大戰後，美國博物館的功能，隨著意識型態的對立，除了表述國家的政治立場與意識型態之外，以猶太人受到納粹迫害為主題的大屠殺（Holocaust）博物館，廣為設置在美國各大城市。這類同質的博物館，是二次世界大戰後，最特殊的發展類型，其目的是藉著博物館的建築、展示、教育，警醒世人，猶太人在大戰中，遭受屠殺的慘痛歷史。

這樣以紀錄災難而建立的博物館概念，替代了過往以樹立「紀念碑」，來記錄歷史事件的作法。也由此，延伸了博物館功能，成為族群論述立場的社會機構，展現出多元的觀點。

大屠殺（Holocaust）博物館的形式，成功塑造後，也引發了各種「裔」的博物館建立，例如非裔美國人博物館（African American Museum），日裔美國人博物館（Japanese American Museum），華裔美國人博物館（Chinese American Museum）等。由於美國各項法律規章成熟，捐助金錢與社會資源，不斷的進入到這類型博物館，使博物館的功能，從代表知識的殿堂，變身成為融合「國家意識」的工具。

這些新型博物館建立的新思惟，更造就了所謂「新博物館學」的論述，建立「文化自主」、「空間哲學」與「觀光美學」的鑽石稜角，顯現出多樣學域的博物館面相。

美國博物館協會成功建立的專業平台，不僅促進了博物館塑造社會價值與形成議題的實務經驗，更提供1946年在法國巴黎成立的世界博物館協會ICOM（International Council of Museums）效法的典範。這些原本是屬於國家級的文化工作，藉由世界性的組織架構，展現出全球性的視野，不僅串連各國家、種族間的文化，更提昇理性的知識發展。美國博物館協會在這上面的努力指導，值得台灣博物館界學習。

一百年前，美國文化在西方的國家，一向被歐洲大陸國家視為淺薄與短視，自從美國博物館協會成立後，建立了文化專業的操作手法與經營方式，沉澱了為人所詬病的速食文化。相反的，以強大的科技力量與自然科學的研究成果，創造了新的思維向度，將博物館的功能，發揮到極致。

美國的物質文化，因為博物館協會發揮統整與研究的精神，將博物館塑造成無所不能的文化機構，也因此，創造了「博物館新古典主義」，成為領導西方文明的旗艦。一種新潮流，一項新作風，一股新動力，隨著這樣的絞合，深耕了美國文化，增添山姆叔叔無限的光彩。



文／周晶生

作者周晶生簡介
台南藝術大學博物館學碩士，曾擔任規劃臺鹽博物館經營管理計劃主持人，美國克禮福蘭美術館音樂教育規劃，以及九二一地震教育園區專案經理，現任台南市立民族管絃樂團秘書。他以博物館學的國內外實務經驗及專業訓練，撰寫美國博物館協會的運作過程，值得博物館界參考與學習。

奇美珍藏－再現法蘭西的榮耀與璀璨

展覽名稱： 榮耀之門—十九世紀法國巴黎官方沙龍展
時間與地點：2006.02.23~2006.04.02 / 臺北市立美術館
2006.06.10~2006.11.19 / 高雄市立美術館
2006.12.09~2007.03.04 / 國立台灣美術館

「沙龍」（Salon）一詞最早源自17世紀的法蘭西皇家繪畫和雕塑學院，該學院的院士和教授應當時國王路易十四的要求，需將作品進行公開的展出。1667年第一屆的沙龍展於巴黎羅浮宮「方形大廳」（le Salon Carré）展出，而「沙龍」（Salon）一詞逐漸脫離原始的意義，成為一般展覽的統稱。

「學院」與「沙龍」

1667年法國政府成立了培養藝術家美術教育的「學院」，並建構出獎勵制度的展覽會。17、18世紀時的「學院」是美術活動的中心，亦是籌辦「官辦沙龍」的主要單位。早期在舊體制的時代裏，藝術家的作品要進入「沙龍」，必先成為「學院」的正式會員或準會員，才有參展資格。直到19世紀法國大革命後，基於自由和平等的理念，革命政府取消皇家學院的特權，開放沙龍給所有的藝術家參與，使得沙龍成為眾多年輕藝術家初試啼聲的場域，也是他們邁向榮耀和成名的第一道門檻。「沙龍」雖對藝術家開放，但並不是誰都可以展出自己的作品，所有作品都須經過嚴格的審查制度，並經由制度判定作品是否能陳列展出，然而掌握這些審查制度的委員仍以學院的院士為領導中心，因此沙龍的藝術創作主題就在學院派的帶領與時局的影響下，仍以「歷史畫類」( 包括宗教畫和神話畫 ) 被公認為最卓越的畫類，其次是以「人」為主題的肖像畫、風俗畫；最後是以「物」為描寫對象的風景畫和靜物畫。

展覽的時代背景

本展的歷史背景從1789年法國大革命至1914第一次世界大戰期間，這期間法國經歷帝主、帝國及共和等政治階段的轉變，直接或間接地影響藝術展覽活動的舉辦和創作品味。專制王權的崩潰，促使許多貴族流亡海外，亦帶來以宮廷為中心的藝術保護政策的消失，原本由王公貴族和教會所支撐的藝術活動，就如同政治和經濟發展一般，轉至中產階級的身上。為了迎合新階級的藝術品味，藝術家們逐漸放棄大型具宣揚性的作品，加入大眾喜愛的題材和創作元素，調整作品的尺寸大小。再加上工業革命所帶來的城市的興起、鐵路網絡的發達、萬國博覽會的舉辦以及各種工業技術的創新與改良，都成為藝術家靈感的創作來源和創作技術的增進。本次展出的作品除了具備與官辦沙龍展的密切關係外（作品都曾入選沙龍或獲頒特別獎項），也希望呈現這漫長時期裡，各種藝術流派的創作表現及因沙龍所引起的相關延伸議題，包含似可亂真的臨摹作品、大師準備參展的練習畫作、作品獲選「沙龍」後，被買家指定同主題的創造以及再複製。

主題和作品介紹

本展參考學院派畫作的分類方式，一共展出基金會64件繪畫與雕塑，依當時受重視的程度依序排列。分別為古代神話與歷史的啟示、宗教、近代歷史、文學、肖像、農村生活、城市生活和風景。透過這些作品，觀眾得以瞭解近一百五十年間官方沙龍展的豐富樣貌。

主題一：古代神話與歷史的啟示
古代神話與歷史的啟示是當時沙龍裏最為「高貴」、「宏偉」的題材，討人喜愛也讓藝術家得以飛黃騰達。不論是繪畫或雕塑，這類作品偏好呈現遠古諸神理想的身軀與撩人的姿態，尤其吸引藝術愛好者，例如這次展出的【賽姬甦醒】 （Le Réveil de Psyché）、【月神賽勒涅】（Séléné）及【獵神黛安娜】（Diane chasseresse）等創作。

主題二：宗教
在皇室貴族藝術訂購者的鼓勵下，整個18世紀學院派畫家的創作方向多以宗教畫爲主。1789年法國大革命以及連帶的拋棄基督信仰風潮，使得基督教題材的創作逐漸減少。就風格來説，直到19世紀中葉，學院派在新古典主義潮流下，接續一個兼容並蓄的時代，有的畫家著重色彩，有的強調線條，但細節中一定有著當代寫實的風格。例如學院派大師布葛赫（William Adolphe BOUGUEREAU）的【聖母子與施洗者約翰】（Sainte Famille）。

主題三：近代歷史
19世紀的法國，有著許多政治上的轉變，君主政體、帝制，以及共和政體不斷相互輪替。每一個新政府雖替代前政權，但都熟知藝術家所能帶來的好處，而積極推動宣揚新政府勢力的藝術表現。因此，不同政府附會古代的偉大人物，來強調自身的偉大，某些與法國相關的歷史人物重新出現，讓新政府能夠重塑良好形象。

主題四：文學
整個19世紀，印刷業的進步、大量文章與圖片的再製，都造成了出版業驚人的發展。從上古到18世紀的古典文學，不僅持續發展，出版社亦不斷再版這些文學作品。隨著報紙的發行、連載小説的刊登，日報、週報或月刊都有非常重要的發展。附帶插圖的印製方法也愈來愈快速，例如蝕刻法，以一塊金屬板可印製大量的圖畫，並維持同樣品質。這些因素不僅對畫家，同樣也對插畫家與雕刻家產生重大的影響。

主題五：肖像
每次沙龍展都有數百幅的肖像畫懸掛在展場牆上，其根據訂畫者的能力及藝術家的技術，從極小的袖珍畫到巨幅華麗的全身肖像畫都有。儘管攝影技術的出現可能威脅到肖像的生存空間，但肖像畫還是受到藝術家和民眾的歡迎。這次展出的肖像畫亦包含藝術家的自畫像、貴族及一般平民的畫像。

主題六：農村生活
就本展所涵蓋的百年期間，繪畫中呈現對鄉村的看法或農村生活有三個完全不同的層面。一為受文學作品所激發出的靈感，與現實無關聯，呈現出純樸美好有如田園詩歌般的畫面。二為1860年後，大批的鄉下人湧入城市，藝術家們開始描繪另一種面貌的鄉村生活，此種繪畫觀突顯了農村為失落的天堂。第三種層面，則是因為城市的集中造成大自然的消失，許多藝術家陸續揭露農村生活的真實面，意圖表達政治對與土地緊密相關之農民的迫害，因而促使寫實主義的產生。

主題七：城市生活
如果鄉村最能讓人聯想到伊甸園的話，那麼城市就不同了，相對而言它很晚才成為常見的風俗畫題材。城市是墮落沉淪的最佳勝地，好比無根的人所朝向的未知目的地，也是悲劇最常發生的地方，即好與壞、富裕與窮困直接交鋒的所在。這些對立是屬於街頭的景象，而屋內、工作場所或機構等則是家庭及互助團體的庇護所，在冷酷無情的城市中，充滿了溫暖與笑聲。屋裡的色彩明亮，與屋外的灰暗形成了強烈的對比。

主題八：風景
藝術史上沙龍盛行這段期間，風景的描繪一直具有裝飾性的特色，不具深厚意涵。法國或義大利的風景，一直受到畫家的青睞。在畫室中創作風景，多少依照原始風光，因此與實際景色並無太大差別。1830年代開始，表現風景畫的手法逐漸變得更寫實，除描繪法國自然風光，同時也展現多重國際風格，譬如受到東方主義的影響，繪畫風潮轉變，其表現也十分多樣化，特別是浪漫主義引導的「心境風景畫」（paysages états d’âme）的誕生，畫家用畫筆描繪其熱烈的思維與心境。

百年後的今天，沙龍已演變成各種展演形式，亦脫離原始的樣貌。隨著「榮耀之門－十九世紀法國巴黎官方沙龍展」的推出，我們將帶觀者重回十九世紀的法國，感受官辦沙龍的時代氛圍，體驗藝術家們百年前一舉成名的辛酸與榮耀。

文圖／奇美博物館提供